date de sortie: Septembre 2004

Nombre de Titres: 21

Avec Jean-Luc Bernard (batterie), Marie-Odile Chantran (vielle à roue), Jacques Di Donato (clarinette), Paco El Lobo (guitare), Bernard Lubat (clavier, mélodica), Arthur H (voix), André Minvielle (voix, batterie, percussions), Michel Peyratout (contebasse).
Mélodiste, hors pair, Marc joue et déjoue les clichés, chante et enchante, livre et délivre une émotion à nulle autre pareille.

Du traditionnel à la valse et du jazz au cinéma, le fils d’immigré italien brasse les genres et les cultures, en humaniste du soufflet.

Cet 11ème album de Marc Perrone, n’est pas un album de hasard ou plutôt si, le hasard de la vie et le choix fortuit des rencontres, le poids pesant et doux de la mémoire, la joie du devenir., entouré de compagnons magnifiques, Marc se livre comme jamais, il chante enfin, et sa voix porte en elle la violente sagesse et le souffle serein d’un homme libre. Il nous livre dans un sourire, les mélodies d’une poésie à faire chanter et danser.

Marc Perrone est un musicien en transit. C’est un grand calme agité qui n’a jamais cessé d’enfreindre les lois de l’inertie. Un homme qui s’est jeté sur les chemins de la musique au son de l’accordéon diatonique – instrument nomade par excellence, véhicule d’une foultitude de chants d’exil et de mélodies portatives, capable d’ouvrir sur les profondeurs de l’âme comme d’appeler à la fête, à l’échange. Un homme mû et ému par l’histoire des siens, propre à entendre les hommes et à porter leur souffle de vie.

Le « piano du pauvre » aux bretelles d’or porte en lui cette volonté d’unir les hommes pour lutter contre « les saletés d’idées qui traînent »

Le piano à bretelles de Marc Perrone n’est pas un accordéon ordinaire !

Il raconte toujours une histoire, via son accordéon diatonique – instrument nomade par excellence, véhicule des mélodies portatives

Entre saltarelle et musette, jazz d’avant-garde et folk français, Perrone est un homme mû et ému par l’Histoire, et l’histoire des siens.

Le secret de ses recettes ? Ne pas se cantonner dans le répertoire folk : chanson réaliste et musette font aussi partie de ses bagages dès ses premiers disques. Et puis, au fur et à mesure de ses rencontres (Marcel Azzolla, Bernard Lubat, Michel Portal), il se dirigera aussi vers le jazz et l’improvisation. Toute sa musique tend à une osmose de tous ces genres.

Il y a les mélodies qu’on emprunte, même quand on les invente elles sont empreintes. Les mélodies racontent tant d’histoires, elles me rendent gai, triste, entre les deux mon coeur balance. Elles s’échappent de mes soufflets, glissent dans l’air jusqu’aux oreilles de ceux qui me font la grâce de les écouter. Une chanson ça vous attrape par l’oreille pour ne plus vous lâcher de toute une vie… Elles laissent des traces, une empreinte, ne vivent que le temps qu’on les joue ou qu’on les chante, puis se mettent en veille. C’est ma passion, ça ne dure que le temps d’une chanson, son éphémère passion… Che Bella la Vita ? ! Marc Perrone.

« Chaque rencontre avec Marc Perrone est un grand moment d’émotion.
Musicien, poète, faiseur de danses et faiseur de rire, il a dépassé depuis bien longtemps la technique de l’accordéon diatonique pour devenir un alchimiste du son et du vocable. Marc Perrone est un passeur et paraît vivre chaque moment de sa vie comme un héritage qu’il transmet à son public. De l’Italie à la banlieue parisienne en passant par ses amis d’occitanie, les frontières sont toujours repoussées.
Un grand hommage à cet humaniste de la « petite scène », ainsi que nos remerciements, à lui et tous ceux qui l’accompagnent (Marie-Odile CHANTRAN, André Minvielle, Bernard Lubat etc…) pour le plaisir qu’ils nous procurent. » Le Bazar Musical.

Date de Sortie: 03/2004

Nombre de Titres: -

Chine – Inde – Népal – Thaïlande ‘ Corée

Les deux archets

le fiancé arrogant /le coq et le chacal

san-Sou et Kia-tou/ la hyène et le vautour

le buffle et l’homme/ la tortue et les criquets

le roi-tigre et ses sujets…

‘Les nations et les races se transmettent des fables comme les hommes se lèguent des héritages

Un voyage au coeur d’un monde intemporel ‘fabuleux ou les animaux parlent comme vous et moi, et ou nature et culture n’ont pas de frontières.

Après les succès de Fables d’Afrique, les Editions Lugdivine s’enrichissent d’un petit bijou de sagesse et de découverte.

Des histoires captivantes, comme les enfants les aiment, gorgées de mystères, et de contrées lointaines. Placé sous le signe de l’imaginaire, cet album de fables ouvre tout grand les fenêtres du rêve et de l’évasion.

Des valeurs primordiales y circulent, l’amitié, la sagesse, le respect de la nature…

Chaque fable possède son univers propre, ses accompagnements musicaux, sa philosophie… La diversité des voix et des rôles, des instruments, des bruitages donnent à l’ensemble un réalisme saisissant.

Plongez dans l’univers passionnant des fables, objet de mystère et d’apprentissage intelligent et ludique .

Date de Sortie: 03/2004

Nombre de Titres: -

Immanquable, belge et hors normes.

CHANSON ENGAGÉE / ENRAGÉE

DÉJANTÉE / DÉCANTÉE

SALUTAIRE / SOLITAIRE / SOLIDAIRE

Les textes à voix nue d’un auteur au charisme énorme.

De la grande chanson empreinte d’une sacrée humanité.

A l’accordéon il pousse la goualante, au piano, il s’assoie «en position moto», les pieds nus, toujours de trois-quart, le corps tendu jusqu’aux orteils animé de soubresauts rythmiques.

Dimitri a déjà tombé veste et chemise.

Les yeux fermés, on soupçonne Higelin, Iggy Pop,

une voix râpeuse raclant les mots et les mochetés de la vie.

Moche la vie ‘ Parfois … Toutefois, Dimitri nous fait rire, à déjanter son blues, à réclamer plus d’une heure d’amour, à déblatérer sur la société de consommation. Férocement. Forcément.

La Biennale de la chanson française en Belgique qui, comme son nom l’indique, s’organise tous les deux ans, est une manifestation qui, mine de rien, est en train de se rendre indispensable.

Tout simplement parce qu’elle consacre une fois de plus un chanteur incontournable.

Ce chanteur enragé, facétieux, tendre et drôle, vitriolé et déjanté, a quelque peu réveillé le gentil paysage de la chanson belge.

Ce Liégois de trente et un ans n’est pas nouveau sur la scène.

Il a trimbalé son accordéon, son humour et sa verve à travers tout ce que notre pays peut offrir de fêtes, de rencontres, de festivals, de cabarets et de trottoirs.

Il a frotté ses cordes vocales à des répertoires de chanson réaliste et de textes décapants, il s’est testé au piano, à l’accordéon et au chant sur d’autres scènes, dans divers styles.

Il a de la bouteille en d’autres termes.

Suffisamment pour se mettre un jour à table et composer ses propres textes, écrire ses chansons à lui, fortes d’une longue expérience.

Un homme de terrain, une bête de scène, un personnage qui ne passe pas inaperçu et dont pourtant personne ne nous avait parlé.

Sinon, bien sûr, les afficionados de la chanson, ceux qui écrivent dans leur coin tandis que le monde de la grande presse s’agite sur le dernier Patricia Kaas et la progéniture de la petite Paradis.

Alors franchement, merci à la Biennale et que Dimitri s’envole et s’en aille déranger tout ce monde engoncé dans son show-business et sa jet set.

Le chanteur Liégeois est en effet la découverte que vous ne devez en aucun cas bouder.

Et puis courez donc le voir.

Vous comprendrez que ce gaillard ne peut laisser personne indifférent. Sa chanson fait mouche , il attaque ferme, seul au piano, parfois à l’accordéon, avec des textes denses, des rythmes forts, des ambiances faites de jeux de scène, de grimaces, d’effets de voix.

Pour vous dire sa vision du monde, ses impressions sur les relations humaines, Dimitri construit son décor seul et met sa chanson en scène. Il ne se contente pas de vous chanter la déprime hivernale, il vous la vit, il vous la gueule, il vous la balance au visage.

On aurait envie de se lancer dans le jeu risqué des comparaisons.

On aurait envie de parler d’Higelin et on n’aurait pas tort.

Mais à quoi bon.

Dimitri est fort, très fort.

Il est de ces chanteurs qui font le contraire d’une chanson dégagée’ comme il le dit lui-même.

Il dérange, comme a su le faire un certain Renaud

Date de Sortie: 03/2004

Nombre de Titres: -

Tabla : Puissance et légèreté pour l’instrument le plus emblématique de l’Inde.

L’artiste:

Originaire de Patna, capitale du Bihar, entre Bénarès et Calcutta, SUDHIR grandit dans une atmosphère musicale très riche.

Son père, ARIUN PANDEY, joueur de tabla émérite, lui enseigne l’instrument dès sa sixième année.

Il a la charge d’organiser les plus grands festivals de musique classique hindustani de l’État.

SUDHIR connaîtra ainsi très tôt les plus grands artistes des années 60 et 70.

II est ensuite disciple de Pandit BHAGWAT SINGH.

SUDHIR a reçu l’héritage de trois écoles de tablas celles d’Ajarara, de Bénarès, et de Delhi, la plus ancienne.

Cette combinaison lui permet d’associer puissance et légèreté dans son style ainsi qu’un vaste répertoire de compositions rythmiques.

Âgé de 36 ans, il est basé à Delhi et accompagne les plus grands : Ustad VILAYAT KHAN, Pandit NIKHIL BANERJEE, Pandit RAM NARAYAN, Ustad AMJAD ALI KHAN, etc.

Il détient les plus hautes récompenses.

L’instrument:

Le tabla apparut probablement il y a environ quatre cents ans dans les collines du Penjab (nord-ouest de l’Inde).

Son nom vient de l’arabe tabl, terme générique désignant un tambour. Constitué de deux fûts – le gauche (bayan), grave, et le droit (dahino), aigu -, le tabla est une synthèse de tambours plus anciens.

C’est le bayan qui a le plus évolué au fil des siècles.

Le dahina est constitué, lui, d’un fût de teck, notamment en shisham ou mieux en neem (plus dense et plus lourd), idéal pour la résonance.

On utilise aujourd’hui des dahina de tailles différentes, suivant l’instrument accompagné , le plus gros est grave pour le chant, le plus petit pour la flûte.

Le dahino est accordé avec précision sur la tonique du mode interprété, la pastille noire résonant dans les harmoniques.

Autrefois joué debout, les deux éléments étant suspendus par une large ceinture, le tabla était associé surtout à la danse et à des genres musicaux mineurs.

Il est devenu peu à peu l’élément rythmique central de la musique hindustani dans ses formes folkloriques et surtout classiques.

Depuis une cinquantaine d’années, son rôle musical a gagné en importance.

Autrefois confiné à un accompagnement basique, il est devenu un partenaire véritable du mélodiste.

Date de Sortie: 06/1995

Nombre de Titres: 29

Musiques autour de la naissance – L’éveil musical des tout petits, un voyage sonore plein de découvertes – pour ouvrir les oreilles des 0-3 ans.

L’enfant aime le sonore, le rythmé, le doux, le comique. Ses toutes jeunes oreilles sont déjà ouvertes à tout ce qui est musical. Dans les premiers mois de sa vie, il faudra bien sûr laisser ses oreilles s’habituer au monde des sons en l’étonnant progressivement. Son ouïe, comme sa vue et son toucher, doit s’éveiller au monde du dehors.

L’enfant lorsqu’il vient au monde est déjà façonné par l’environnement de ses parents. A travers le ventre de sa mère, l’enfant écoute le monde, plongé dans sa bulle liquide, il perçoit ce que nous pouvons percevoir lorsque nous nous bouchons les oreilles et que nous parlons, toussons ou avalons notre salive.

Ici, des musiciens venant d’horizons très divers, travaillent côte à côte en pensant spécialement aux tout-petits. Ils interprètent des musiques aux couleurs de l’Afrique, des Andes, du classique, de la musique ancienne, de la chanson et tout cela avec une multitude d’instruments. On est frappé par l’impression d’authenticité et de chaleur humaine qui se dégage de cet enregistrement.

Voici donc le premier disque conçu à l’intention des enfants qui sont encore dans le ventre de leur mère et qu’ils pourront redécouvrir après leur naissance. Une démarche pédagogique sans précédent, comme un cadeau pour la vie à venir. Une façon judicieuse de créer un lien et une continuité entre le monde utérin et notre monde à nous.

Déjà avant la naissance, l’enfant est un guetteur joyeux et dans son univers habité d’affectivité, tout fait sens . Dr C. Dolto-Tolich

L’ECOLE DES PARENTS :Un cadeau doux et rythmé pour parents et enfants heureux.

L’HEURE JOYEUSE : A l’écoute on est frappé par l’impression d’authenticité et de chaleur humaine qui se dégage de cet enregistrement.

LE SOIR :Une idée originale qui devrait séduire petits et grands.

PARENTS :’Le cordon musical traduit l’approche affective d’un musicien pour des oreilles toutes neuves… A découvrir !

Date de Sortie: 03/2004

Nombre de Titres:-

Blues à l’épinette, valse manouche, scottish pour mandoline, soulignent l’originalité de ce cinquième album.

Les airs traditionnels côtoient des compositions remarquables d’innovation et de liberté.

Le nouvel essor des musiques traditionnelles d’Alsace.

Une musique festive au plus près de la danse.

Un répertoire de musiques puisées dans les fonds écrits par des collecteurs du siècle passé (Lefftz, Pink ou Kassel), mais rejoué avec une sensibilité actuelle en vue de faire revivre ces musiques par le biais de la danse.

Ces vieux airs ont encore quelque chose à nous donner si nous prenons la peine de nous y intéresser, car ils ont vécu, survécu et portent en eux cette simplicité naturelle qui fait leur force.

Pour qu’ils vivent, nous créons des danses, parce que c’est l’assurance que ces airs voyageront et persisteront.

Mais ces chorégraphies sont là aussi pour qu’un esprit convivial et communautaire s’installe dans les bals et pour que chacun, à sa mesure, s’approprie musiques et danses en s’y investissant corporellement.

L’Alsace n’a pas froid, elle continue à danser.

Et les musiques et les danses renaissent de leurs cendres en prenant leur envol au gré des vents.

Ils portent la musique, la soulèvent et l’emportent, à ceux qui ont des oreilles pour entendre et à ceux qui ont des pieds pour danser.

Et le plaisir du partage est tel qu’on les voit continuer à jouer même quand le bal est fini.

Non, les musiciens populaires n’ont pas disparu et les danseurs non plus.

Ce sont deux bonnes nouvelles à colporter au gré des vents et des bals qui fleurissent.

Ce qui nous vient là, c’est la tradition vivante, naissant sous nos yeux, dans notre temps, par la volonté de créer ensemble un monde où l’on se regarde, où l’on existe encore l’un pour l’autre.

Toutes les racines se parlent et se reconnaissent.

Et ces musiques alsaciennes qui naissent aujourd’hui, entre la Largue et l’Ill iront, l’air de rien, se mêler aux anciennes pour porter leurs danses biscornues vers d’autres endroits de résistance et de vie, partout où musiciens, danseurs et conteurs demeurent, feux joyeux contre le froid.

Date de Sortie: 03/2004

Nombre de Titres: 10

Virtuosité et volume sonore. Ouragan musical. Improvisateur délirant. il se bat avec son accordéon comme si c’était un alligator ! musique explosive, sauvage, inouïe ! Performance.

Un O.V.N.I dans le monde du piano à bretelles’ !

Deux accordéons volages, inventifs, voltigeurs, doublés par des traitements électroniques, des voix loufoques et des percussions syncopées vous entraînent dans une frénétique sarabande, un monde parallèle, unique, extraordinaire.

Ce phénomène finlandais représente en fait le croisement possible, entre Yngwie Malmsteen, Astor Piazzolla, Phil Minton et Brian Eno !

Un univers onirique, déchaînement chamanique, audacieux et fort… Une véritable découverte !

Virtuose de l’accordéon chromatique (cinq rangées de boutons).

Initié par son père à l’âge de dix ans.

Formé à l’académie Sibelius, Helsinki, section’ musique traditionnelle et classique’.

Étudie aussi en Argentine et en ‘Tanzanie !

Accompagne une dizaine de groupes traditionnels ou pop-rock. Développe un style de jeu très physique.

Se familiarise avec l’utilisation de micros et d’effets.

Boulimique, participe en six ans, à l’enregistrement de soixante cinq albums !

Trente recèlent compositions et arrangements de son cru.

La Scandinavie serait-elle un réservoir d’accordéonistes géniaux ‘

Nous connaissions Lars Hollmer et Maria Kalaniemi (entre autres), voici Kimmo Pohjonen qui ose tout sur son accordéon chromatique, grosse boîte à cinq rangées de boutons : du traditionnel au jazz, du rock au contemporain, rien ne lui échappe.

Kimmo Pohjonen est tombé dans l’accordéon à l’âge de dix ans, à une époque (les années soixante-dix) où le goût pour cet instrument était encore inavouable, même en Finlande.

Adolescent, il suit un cursus en musique classique et traditionnelle à l’Académie Sibélius d’Helsinki, avant de se passionner pour les musiques improvisées, où il trouve pleinement à s’exprimer.

Il étudie aussi hors de Finlande, en Tanzanie (mbira) et en Argentine, et se fait connaître avec grand bruit il y a cinq ans

Date de Sortie: 03/2004

Nombre de Titres: 13

L’enfant des campagnes du Pernambuco, Silverio Pessoa, nous propose sa vision de la musique du nordeste brésilien.

Forró, Batuque, Bumba meu Boi, Coco ‘

Une irrésistible invitation à la danse, dans l’esprit originel des ‘bals forró’ de là-bas.

Véritable perle musicale, délicieuse plongée dans l’âme du peuple des champs de canne à sucre.

Le Forró de Silverio est une synthèse des danses et chansons des travailleurs des champs et des usines de canne à sucre, mêlées aux influences urbaines telles que le Rock et le Hip Hop.

Ce mélange original donne une toute nouvelle dimension au Forró, sans renier ses racines.

Son quartet utilise sur scène les instruments traditionnels du forró: sanfona (accordéon), zabumba et triangle ou ganzá, le tout soutenu par la basse, référence pop/urbaine.

Le résultat est une irrésistible invitation à la danse, dans l’esprit originel des « bals forró » de lá-bas.

Du vert à perte de vue… Un vert dense et uniforme.

Lumineux sous le soleil implacable de l’été qui immobilise la nature et l’air et retient la respiration du ciel.

Vert mélancolique et poignant, qui ruisselle lourdement sous les trombes d’eau qui tombent à la saison des pluies.

C’est le vert des champs de canne à sucre.

De loin en loin, une haute cheminée en briques jaillit de cette marée verte : une usine.

De là partent vers le reste du pays et du monde les sacs de jute grossier, remplis de sucre.

Depuis cinq siècles, l’économie sucrière fait vivre la Zona da Mata, région côtière du Nordeste brésilien.

Économie ancestrale.

Et les ancêtres venaient les uns d’Afrique, esclaves enchaînés , les autres du Portugal, aventuriers stigmatisés par la «saudade», le mal du pays, il y avait aussi les Indiens, violentés par l’envahisseur.

Sans oublier tous ceux qui, au XVIIème siècle, convoitèrent les lieux et tentèrent de s’emparer d’un bout du gâteau.

Essais ratés dans l’ensemble, mais dont restent quelques traces : Sâo Luis capitale du Maranhâo, fondée par les Français, Recife modelée par les Hollandais qui ont bordé le littoral de forts et déposé leurs semences dans le ventre des autochtones.

Ça explique toutes ces chevelures blondes, tous ces yeux verts – verts comme les champs de canne à sucre – chez « le peuple des champs de canne à sucre » – 0 povo dos canaviais – comme les appelle, par un bienvenu néologisme anthropologique, Silvério Pessoa.

Un peuple qui s’est façonné sur ces blessures une culture d’une immense richesse, faite d’un mélange de traditions venues de partout: légendes, mythes, représentations, cuisine, artisanat, littérature – orale le plus souvent – danses et musique.

Avec ses harmonies propres, ses thématiques particulières, ses voix aux tessitures sans autres pareilles et des rythmes à n’en plus finir, la musique du Nordeste raconte les douleurs dont elle est naît et les joies par lesquelles elle les surmonte.

Musique de fête, de travail, de cérémonies, de rites, de vie et de mort, musique de la terre, des racines.

Et pourtant ouverte à l’évolution, toujours encrée dans la tradition mais toujours dans l’air du temps.

Musique de transmission. Les troubadours des origines et les enfants de la pop music, les anciens et les modernes, sans querelles, se passent le relais.

Date de Sortie: 03/2004

Nombre de Titres: 11

La maestria de musiciens virtuoses, ivresse et émotion de l’âme tzigane !

L’extraordinaire diversité musicale des musiques d’Europe Centrale, un climat envoûtant !

Une sensibilité artistique remarquable, le bon goût, le sens de l’humour, une vitalité débordante, l’esprit des traditions, et la force des idéaux.

TARAF DONA BOTOCA propose un retour aux sources, dans la tradition des plus grands artistes roumains : Grigoras Dinicu, Maria Tanase, Florea Cioaca, Toni Iordache, Alexandre Titrus, Ion Dragoi, Efta Botoca, Simion Stanciu, Gheorghe Zamfir.

La richesse de leur répertoire (les airs tziganes, les doïnas, les sirbas, les horas, les batutas, etc.) permet de redécouvrir l’extraordinaire diversité musicale régionale qu’offre la Roumanie : Banat, Moldavie, etc.

La Doïna, en tant qu’expression musicale, va beaucoup plus loin dans les intentions.

Plus qu’une illustration, elle est un message.

Au carrefour de la Hongrie, de la Yougoslavie et de la Roumanie, dans des régions qui au fil de l’histoire ont été le réceptacle de toutes les tendances culturelles, elle est l’affirmation d’une identité qui s’est créée en puisant dans les différentes influences qui l’ont faite.

Ce disque, avec ses hommages à des personnages comme Efta Botoca, grand maître de la doïna qui marqua profondément l’adolescence de Marius Andreï ou Gheorgi Zamfir qui a tant fait pour la diffusion de la musique roumaine, ces onze titres affirment une éblouissante diversité qui permet d’avoir une approche très complète de cette musique qui parle si bien aux sens et au c’ur.

C’est aussi la concrétisation d’un remarquable travail et d’une entente parfaite entre des musiciens qui ont su s’imprégner de beautés nostalgiques ou enfiévrées.

Il y a de grands moments de virtuosité mais Doïna les dépasse pour, au fur et à mesure que se déploie ce florilège, atteindre au climat particulier, propre à ces pays qui ont le privilège de faire si bien chanter l’âme.

Date de Sortie: 12/2003

Nombre de Titres: 11

Accompagnée d´un guitariste, d´un accordéoniste et d´une contrebasse, Marie chante la vie, celle qui rit, celle qui pleure, la vie qui tourne et qui s´arrête, la vie en couleur’

Marie et ses trois musiciens viennent de Beaucourt dans le territoire de Belfort en Franche-Comté, voilà qui explique le nom du groupe.

Les parents de Marie ne sont pas des inconnus pour qui aime la chanson à textes puisque qu´ils animent le Foyer Georges Brassens à Beaucourt. Comme bon sang ne saurait mentir, la jeune Marie interprète non seulement les chansons de grands auteurs compositeurs interprètes, mais aussi ses propres petites histoires enjouées ou coquines de sa jeune voix prometteuse.

« Contrairement à ce que l’on serait en droit d’imaginer, nos Beaux Courtois ne sont en rien des nostalgiques du Moyen-Age. Non, ces modernes troubadours nous viennent de Beaucourt, dans le Territoire de Belfort. Et lorsque Marie, petite blonde à la fois fragile et rayonnante, chante l’amour, il n’est pas question non plus d’amour courtois et c’est avec une petite lumière espiègle dans le regard. C’est qu’avec eux, tout fonctionne sur la distanciation, ce léger décalage qui permet de ne rien prendre trop au sérieux, à commencer par soi-même. Un humour discret, en somme, et qui est encore une façon d’user de sa liberté ! »

Francis CHENOT, Une Autre Chanson, Décembre 2003

« C’est de la chanson, de la neuve, de la poésie fine, l’enthousiasme de la jeunesse sans naïveté niaise’

Tout pour convaincre un public réellement populaire, c’est-à-dire convivial de m’urs et exigeant d’oreille. »

Françoise MORVAN, Programmatrice de la Maison Pour Tous de Chatou

« Une chanteuse à la voix alliant charme et douceur, des mélodies simples, des textes sur la vie quotidienne, une habile alchimie qui conquiert à chaque fois le public. »

La Cinquième

« Une jolie peste’

Au milieu de ses Beaux Courtois, Marie évolue avec aisance et un charme espiègle dont elle joue avec beaucoup de malice, parfois jusqu’à la provocation. »

Marc ROBINE, Extrait du Portrait paru dans Chorus, Automne 2002

« Véritable antidépresseur, Marie et ses Beaux Courtois, c’est encore mieux que du chocolat ! »

Claude BONTE, Programmateur du festival Mars en Chanson à Charleroi